MUESTRA

Memoria, la construcción de una identidad, los orígenes, el horror, lo perfomático, lo indoamericano y lo europeo: la obra de Federico Arnaud es una conjunción de referencias, sí, pero principalmente un torrente de ideas. Para canalizarlas, utiliza la instalación, el video-arte, la performance y claro, la escultura

Esa obra, que ya recorre 25 años de la vida de Arnaud (Salto, 1970), se puede repasar en Ecce Homo, la retrospectiva que hasta fines de septiembre se puede ver en el Subte Municipal, gratis, de martes a domingos de 12.00 a 19.00. La curaduría es de Gustavo Tabares y Rulfo, el director de la sala. Originalmente la exhibición estaba anunciada para el 20 de marzo, pero debió esperar la autorización para reabrir la sala.

“La fuerza del trabajo de Arnaud radica en un entusiasmo conectado a una fina sensibilidad por temáticas profundamente humanas”, escribe Rulfo certeramente en el folleto (a cuenta de un libro-catálogo en preparación) que acompaña la exhibición. “Sus preocupaciones van desde la identidad latinoamericana cruzando por los mitos religiosos, las crudas heridas que ha dejado la dictadura o la memoria como mecanismo crítico”.

Hay, además, en la muestra, algunos elementos recurrentes que ya estaban en la primera etapa de su carrera y que están exhibidos en el ingreso a la sala, en el espacio Neobarroco. Allí está su obra más conocida, El juego de la memoria, un futbolito con figuras religiosas y un césped celestial, que fue exhibida internacionalmente en muestras que asocian el arte y el fútbol. A su lado, una ronda de sillas que combinan elementos “modernos” con una estética e incomodidad de la Indoamerica jesuita.

“Todos los temas que están en diferentes etapas ya están acá”, dice Arnaud en una recorrida por la muestra. “Las manos, los globos, la cortina metálica, la cuchara, y ya muestra que hay una estrategia que atraviesa todo”.

La muestra está dividida en tres espacios que cubren toda el área del Subte. Además del Neobarroco, la obra se agrupa en “Espacio y materia” y “Arqueología personal”, el sector más movilizador de la exposición y en el que Arnaud explora la muerte de su padre en misteriosas circunstancias (hay un video del propio artista reconstruyendo ese momento) y los vínculos de olvido y violencia de la última dictadura.

El que haya elementos recurrentes dan unidad, cierto, y también funcionan para impactar y aclarar el mensaje. Los globos pueden ser blancos (en “Paisaje de los sueños” ) y representar nubes, o rojos y verse como órganos latentes en una situación detenida en el tiempo. Un pan muestra su costillar, en un revelador momento en el que cruzan significados que incluyen lo político, lo social, lo personal y lo colectivo.

El cuerpo y el tiempo son dos factores recurrentes en la obra. Lo corporal se representa en el hecho físico de hacer arte (romper el Uruguay para volver a armarlo; martillar sobre los recuerdos en “Retro”, su perfomance de 2009) o en los fluidos en una chaqueta militar y un saco civil unidos por la misma, literalmente, sangre.

“Ecce Homo”, un video sin sonido de cuatro minutos que da nombre la muestra, exhibe la descomposición del cuerpo sobre un símbolo del capitalismo.

El paso del tiempo, a su vez, está reflejado en el moho que transforma las fotos y un escritorio imponente (“Lo que mata es la humedad”, una video-instalación de 2017) en el polvo que cubre y fosiliza objetos y rituales cotidianos como la mesa familiar (en “Domingo”, una instalación de 2001).

“Toda la obra de Federico Arnaud es atravesada por concepto de tiempo, memoria, dolor y muerte”, escribe Tabares en el folleto. Y en Ecce Homo eso queda clarísimo.