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Cristina Nigro trabajó con algunos de los directores más relevantes del cine argentino. En junio recibió el Premio Cóndor de Plata por su trabajo como directora de arte en Felicitas (Teresa Constantini), que se estrenará el 3 setiembre en salas locales.

El taller que dictará Nigro entre el 30 de agosto y el 3 de setiembre es el primero bajo la gestión de Uruguay Campus Film, una institución de puertas abiertas que da sus primeros pasos. Por un lado cuenta con un plantel de docentes fijos, y por otro se propone trabajar conjuntamente con otras instituciones generando proyectos puntuales enfocados en las deficiencias detectables en la formación cinematográfica. El objetivo es interconectar la región y el mundo ofreciendo talleres especializados con profesionales de aquí y del exterior a un costo accesible para el alumno.

En entrevista con Sábado Show Nigro reflexionó sobre su carrera y la postura del director de arte: "esa mezcla de psicólogo, hermano, primo y profesional" que debe leer la imaginación del director y generar el espacio en que la historia y sus protagonistas puedan moverse como si nada hubiera sido planeado.

"Me gusta proponer este taller especialmente aquí porque me parece que hay muchas ganas de aprender, de ver cosas nuevas. La idea es hacer un taller muy intensivo, que sea como un laboratorio que trabaje a partir de la práctica, de poder argumentar a través de lo visual y de lo plástico".

-¿Qué opinás del trabajo de arte que se ha realizado en las últimas películas uruguayas?

-Mal día para pescar me parece que tiene una propuesta súper interesante de luz, de cámara, de arte, de vestuario. Hay un criterio, porque no se trata de poner una estética porque sí. Hay un criterio homogéneo desde distintas áreas que acompañan la narrativa de la película. Esa película me encantó y me gustó mucho Whisky como propuesta estética.

-¿Cuándo sentís que hiciste un buen trabajo?

-Me cuesta ser objetiva. Me pasa eso cuando terminamos la película, la ven y me lo dicen. Perdés un poco la objetividad de estar haciendo algo bien porque en ese tiempo vivís para ese proyecto. A veces trato de tomar distancia y verlo como una persona ajena...Trato de no hacer un show con la dirección de arte, de que esté al servicio de la historia, de la narración. Que los personajes estén deambulando tranquilamente, que no distraiga la escenografía, que todo sea parte del contexto de lo que se quiere contar.

-¿Hay lugar para el nombre propio en la dirección de arte? ¿Esto es posible en la industria argentina?

-No sé si pongo un sello personal que quiero que identifiquen cuando se vea la película. Me parece que no. Lo mío pasa más por una cosa creativa en el momento de leer el guión. No creo que lo busque y no creo que sea fácil en la industria argentina, que es chica. No creo estar de acuerdo con que un director de arte tenga un sello: se tiene que amoldar manteniendo un gusto propio que va a ir variando según el proyecto. Intento mirar desde afuera a ver si estoy haciendo las cosas bien y el gusto propio no está demasiado presente, tipo ego, y si está desvirtuando la historia...empiezan a aparecer los deseos personales, que no te tienen que alejar de ella.

-Tu carrera está atravesada por el trabajo con directores jóvenes como Lucrecia Martel, Daniel Burman, Lucía Cedrón que fueron reconocidos por la crítica como renovadores de ciertos conceptos cinematográficos, ¿estas experiencias modificaron la manera de encarar tu trabajo?

-Son todos aportes y cines diferentes, criterios distintos. Cada director te aporta lo suyo y uno a él. Cada director te abre horizontes nuevos, panoramas nuevos; las historias los abren. Cada historia que te cae en las manos en una historia nueva que tenés que ahondar y decir `bueno ahora qué hago`, porque por un lado está toda la propuesta logística que pasa más por lo profesional y por la proeza que tiene uno a veces de sacar adelante un proyecto con equis plata. Por otro lado está la parte más romántica de decir `bueno qué hago con esta historia, con estos personajes`, que un director confió en mí y que el director y los actores se sientan cómodos y que sea todo homogéneo y que la escenografía y el vestuario no estén titilando. No hay una explicación teórica, es más de motivaciones.

-¿Cómo fue el trabajo de ambientación en La ciénaga (L.Martel)?

-Tuvo mucho que ver con la directora, tiene muy claro lo que quiere a nivel visual. Toda la gente del equipo vivió como los personajes de la película, y fue una manera de meterse en la historia, de sentirla, de asumir las sensaciones, hubo un clima de trabajo muy vivencial. Y la ambientación era eso: estar en el lugar. Yo fui mucho antes de la pre-producción a Salta (donde se filmó), caminé mucho, vi cómo vive la gente. Después eso viene al papel con el dibujo y del dibujo a los decorados y demás. En La ciénaga todo se consiguió allí. Todo latía Salta, todo se fue armando, acomodándose al lugar.

-¿Y en el caso de la dirección de arte de Cordero de Dios (L.Cedrón)? Hay escenas en que se pasa de una época a otra en el mismo plano.

-Fue bastante trabajoso. El plano secuencia más claro de esto no iba a ser filmado así, hubo que re-armar todo y fue una escena divina. Esas cosas van ocurriendo durante el rodaje, por eso esas necesidades de ver las locaciones. Hay directores que tienen la parte estética del espacio muy en claro, se lo explicás fuera del decorado. Pero hay otros a los que les cuesta mucho sentir lo que uno le propone. Ellos escriben una historia y quizás uno le presenta algo totalmente distinto.

-Además las casas en estás películas eran fundamentales para la historia y la narración cinematográfica.

-Sí, y en el caso de Cedrón es autobiográfica. A mí me costaba por el tipo de película que era presentarle lo que ella tenía en la cabeza. Me lo explicaba y trataba de traducirlo. Ella iba a la locación y le pasaban cosas muy fuertes porque ahí iba a contar su historia. Usamos muchos decorados de ambientación de ella misma, media casa de Lucía estaba en el set. Fue vivencial como en La ciénaga, pero desde otro eje.

-Felicitas te trajo el reconocimiento, ¿lo sentís como tu trabajo mejor logrado?

-Es un trabajo muy interesante, tuvimos el tiempo y el presupuesto para hacerlo y la directora confió plenamente en mí. Tuvimos muchas charlas antes de la pre-producción, yo le llevé muchas referencias para ver por dónde íbamos. Yo no quería que fuera una película de época colonial argentina del gaucho y del poncho, quería hacer una película muy glamorosa, porque yo leo a esta historia como una fábula romántica. Tenía que acompañar eso porque por más que sea de época uno tiene que ser elástico y ver un poquito más allá. Traté de ahondar de una forma un poco más profunda. Elaboramos una estética más europea, de acuerdo a esa historia de amor no correspondido, de ese final trágico. La vestuarista (Beatriz De Benedetto) estuvo de acuerdo en encararlo por ese lado y creo que se logró, visualmente está. La producción fue increíble, tenía muy clara la película que quería hacer, y hacia ahí fuimos todos.