ENTREVISTA

El cantante argentino presenta su disco Constelaciones el próximo miércoles en el Solís.

Con la bandera de la independencia como orgulloso estandarte, Lisandro Aristimuño sigue demostrando que no hay nada que las buenas canciones no puedan lograr. Desde mediados de los 2000 viene editando discos bajo su propio sello, ganando premios y llenando salas cada vez más grandes. Con el disco que editó este año, Constelaciones, llegó por primera vez al Luna Park y una vez más superó la prueba: el chico independiente que un día dejó Viedma y se instaló en Buenos Aires demostró, otra vez, que lo suyo no era solo moda ni suerte.

Con ese Constelaciones, el argentino vuelve una vez más a Uruguay: el miércoles próximo a las 21.00 se presentará en la sala grande del Teatro Solís (últimas entradas en Tickantel desde 850 pesos), un lugar en el que, asegura en charla con El País, este nuevo espectáculo se podrá lucir a lo grande.

“Más que ir a ver una banda, es ir a flotar en ese cielo que armamos. Incluso a veces ni se me ve, me pierdo en la oscuridad”, adelanta Aristimuño, que en este disco cambió su sonido y se despojó de las capas para abrazar una impronta directa, llena de influencias beatles, a la que le dio forma con una banda de película: Javier Malosetti en bajo; el excompañero de ruta de Luis Alberto Spinetta Sergio Verdinelli en batería; y Ariel Polenta en teclados y coproducción. De los tres, Polenta es el único que se incorpora a la banda que lo viene acompañando en vivo hace varios años, y con la que llegará a Montevideo una vez más. Con la independencia como estandarte, y arropado con un montón de buenas canciones.

—Presentaste Constelaciones en el que fue tu primer Luna Park. ¿Cómo estás a un mes de ese show?

—Todavía no bajo, sigo disfrutando los mensajes que todavía siguen llegando de la gente que estuvo, y cosas que van saliendo. Después de tocar en el Luna cerré la puerta de todo, me quedé a descansar mi corazón y mi mente, y recién ahora estoy empezando a leer notas, viendo videos que filmó la gente.

—Y por ser tu primer Luna Park, ¿se sintió diferente?

—¡Sí! Más que nada por presión nuestra. No por ser independientes hay que ser menos que el que tiene una multinacional atrás, entonces nos ponemos más fichas aún porque queremos estar al nivel de cualquier banda. Y había mucha expectativa en ese sentido; colegas, amigos estaban pendiente de a ver cómo la independencia se bancaba un lugar así, al que en su mayoría van bandas con toda una infraestructura atrás. Entonces en ese sentido estaban todos expectantes a ver qué tal el chico independiente. Y la verdad es que nos salió muy bien, estamos superorgullosos de mostrar que se puede llegar también desde este camino a ese lugar.

—¿Te parece que se te sigue viendo como el chico independiente?

—Yo creo que sí, o al menos espero porque es algo que defiendo todos los días. Es una ideología, una forma de pensar la música política y socialmente. Es muy importante y mantenerse, ser valiente en ese sentido y me parece que lo soy. Más que qué estilo de música hago, me gusta remarcar cómo hago mi música y defender ese lugar. Me siento como muy orgulloso de eso.

—En estos pequeños o grandes logros de la independencia, este año estuviste en el Lollapalooza ya entrada la noche.

—Sí, entre Duran Duran y antes que The Strokes. Nos sorprendió porque nuestro escenario estaba lleno de gente, fue un apoyo genial de la gente, otra vez. No sé cuánta gente había pero se veía un hormiguero bastante grande.

—¿Cómo ha sido llevar Constelaciones, más despojado de lo que venías haciendo, al vivo?

—Es un disco raro en cuanto a arquitectura. Laburé con un coproductor, que nunca lo había hecho y me ayudó muchísimo. Yo venía de Mundo anfibio que estaba bastante fragmentado, lleno de capas, y en este quería hacer un disco directo. Cambiar un poco mi ropero.

—En Constelaciones hay un cambio en el sonido. ¿Lo decidiste así en función de las canciones?

—Yo empecé a hacer las canciones con la guitarra acústica y sonaban folk, como esos temas de Lennon en esa onda. Y muy beatlesco. Con esto de la salida de los vinilos, estaba escuchando de nuevo la obra completa de Lennon, los discos de Harrison solistas, de McCartney, no tanto Beatles en sí sino por separado. Y eso se ve que me entró de nuevo; si te fijás, en Constelaciones hay mucho de esa sonoridad.

—Sí, desde el arpegio de “Good Morning Life” a sutilezas miles.

—Sí, está lleno de cosas así y el periodismo lo agarró bien, como el chico patagónico que se fue a Liverpool. Y a mí me encantó que se haya podido leer eso.

—¿Eso también fue un cambio? ¿En discos anteriores intentabas abstraerte de influencias?

—(Piensa) Creo que en los álbumes anteriores mostré toda la influencia que tenía, desde Ruben Blades y Silvio Rodríguez hasta Massive Attack. No quería separarlo; ni siquiera lo pensé. En el último, Ariel Polenta (coproductor) también quería buscar algo así, basarse en un audio específico. En ese sentido dijimos: vamos a hacerlo bien análogo, que suene bien la madera.

—Da la impresión de que En concierto hubiese sido una bisagra, y que Constelaciones está dando paso a otra etapa tuya.

—Sí, claro. Esa siempre es mi idea. El hecho de ser independiente me da una libertad enorme, puedo no encasillarme en ningún lado. Y no lo hago por ponerme en un estereotipo: realmente soy así, me gusta indagar y seguir descubriendo. Me gusta esta búsqueda constante, no repetirme. Tranquilamente podría haber visto cuál era mi tema más escuchado en Spotify y decir: “Ok, es “Azúcar del Estero”, hagamos todo un disco en esa onda”. Pero no es la idea.

—En las letras también hay una vuelta más directa, y un paralelismo hasta psicocósmico entre vos y la naturaleza. Más allá de que el chico de la Patagonia está en la ciudad, ¿sentís que sos naturaleza-hombre en diálogo constante?

—Sí, totalmente. Y fijate vos que el concepto de Constelaciones nuevamente nació en el sur. Fui de visita a ver a mis viejos, estaba en el patio de la casa, y hacía mucho tiempo que no veía un cielo así, tan estrellado. Y viste que vos ves la ciudad desde arriba, desde un avión, y parece un cielo. Es como que siempre que voy a la Patagonia saco el concepto de un disco o una letra, tiene una riqueza profunda en mí.

—¿Usás tus canciones para decirte cosas? Pienso en “Hoy, hoy, hoy”, que dice: “hoy voy a ser feliz”. ¿Te lo estás diciendo?

—Mirá, pienso que Argentina está bastante tristona, bajoneada, medio desesperanzada, perdida. Y me gustó mandar ese mensaje si querés medio Lennon, medio naif pero real. ¿Quién no quiere ser feliz? Y me pareció lindo arrancar el disco así, dando un mensaje de que está en vos la felicidad.

—En el disco también aparecen referencias a la paternidad; es tu primer disco con tu hija nacida.

—Sí, Mundo anfibio es para mi hija pero en la panza. Ahora es para mi hija ya crecida, viendo por sus propios medios el planeta. Tal vez quise hacer un disco más directo por eso, para que fuera más explícito para ella; y también para mí, para salir un poco de la poesía. Para eso indagué en la forma de escritura, que sea más de primera lectura.

—¿Tienen comunicación musical con tu hija?

—Muchísima. Verla a mi hija dar vuelta un vinilo es algo fantástico; le digo: “Da vuelta el vinilo” y va chocha, como si fuera un juguete, y lo da vuelta sin tocarlo porque yo le enseñé que no hay que mancharlo. Ella está copada con Michael Jackson, Amy Winehouse, esa onda más para bailar.

—Y los Beatles son re para niños.

—¡Sí! El Yellow Submarine es para ella lo que para mí fue María Elena Walsh, más o menos.